En el estudio del canto deben tenerse en cuenta, estas y otras cualidades, dos principios:
1. que la técnica es imprescindible
2. que la voz no lo es todo, aun siendo lógicamente necesaria
Tener un buen oído es imprescindible pero también es necesario tener dominio de todo el cuerpo, tanto en el plano físico como en el psíquico y un nivel de inteligencia capaz de discernir sobre sus propias posibilidades o incapacidades, inteligencia que le demuestre que lo que va asimilando deberá encontrarlo por si mismo, aunque con ayuda, y que es mas importante un trabajo interpretativo, minucioso y contante que una voz que alardea de facultades.
Voz sin arte es como un rostro inexpresivo o como una obra pictórica carente de claro-oscuro, lo mismo que la técnica sin musicalidad puede llegar a convertirse en desequilibrio o en mecanismo frío e inexpresivo.
Cuando se canta es necesaria la coordinación perfecta de todos los elementos que hacen posible la emisión vocal, sin esta coordinación previa sera difícil que puedan darse las otras condiciones (como decir el texto e interpretarlo y adecuar el sentido rítmico a cada expresión), es decir, saber diferenciar la rítmica y el estilo de un interprete a otro.
A todo ello hay que añadir además la fluidez del tempo, conocer la tonalidad en que se canta y conseguir dar expresividad y sentido a los silencios. No es lo mismo un silencio ligado a una expresión de serenidad y dulzura, que otro que deberá manifestar inquietud o alegría.
Deben también valorarse en su justa apreciación las llamadas notas de adorno (como pueden ser grupetto, trino, apoyatura, etc), que si bien su estudio entra en la practica del solfeo, su interpretación en el canto no siempre sigue las normas establecidas, pues varia según sea la época, estilo o compositor. Por otra parte cabe decir que su utilización contribuye al buen adiestramiento vocal, aunque su correcta ejecución no se consigue hasta que se ha logrado un cierto dominio vocal.
Otra norma que no puede olvidar quien pretenda dedicarse al canto es la que se deriva de un contante entrenamiento vocal, con el fin de que que la técnica adquirida llegue a convertirse en habito, buscando siempre que tanto las vocalizaciones como las simples canciones estén dotadas de musicalidad y sentido artístico.
Pasando al terreno interpretativo es preciso tener en cuenta que lo que distingue la labor de un interprete instrumental a la de un cantante es el texto, sea poesía, drama; sentimiento popular o religioso.
El cantante debe convertirse en el “recreador” de lo que quiso expresar el autor literario que a su vez inspiro al musico y debe, a través de su persona, recrear ambos textos (el literario y el musical) mediante un gesto expresivo y una dicción precisa que refleje todas las emociones (angustia o placidez, excitación o calma).
Un buen cantante debe iluminar sus
interpretaciones de manera que logre hacerlas distintas de las de los
demás. De esa manera aunque tenga la misma preparación técnica
que otros, sera la originalidad y autenticidad en su interpretación como lograra ser
realmente distinto.
Cantar ha de significar remover el propio
espíritu en profundidad y llegar a conmover al que se brinda a
escuchar.
Un inciso a propósito de este tema es que aun
siendo muy recomendable y necesario escuchar a grandes cantantes
para aprender su estilo o virtuosismo, lo que no debe hacerse nunca
es pretender imitar sus voces pues se corre el riesgo de enmascarar
la propia y no desarrollar la sensibilidad que debe poseer toda
persona que pretenda dedicarse al canto.
Para el cantante es importantísima la adecuada
posición corporal, en su actitud serena; no puede abandonarse ni
ponerse rígido y debe saber jugar con la fuerza y flexibilidad.
El gesto mímico es también básico para la
interpretación: las manos, los ojos y todo el cuerpo deben poseer un
lenguaje sugerente, el saber moverlos y el saber reposarlos es un
arte que puede ser innato pero que sin duda es conveniente controlar.
Tanto el gusto como la mente deben estar siempre
atentos ya que la falta de control pueden hacerle perder no solo la
belleza de la emisión sino también el sentido rítmico o la fluidez
del tiempo, justo remate a su interpretación.
Es también muy importante vestirse en
consonancia a lo que se va a interpretar al lugar donde se va a
presentar, la elegancia y la discreción son importantes cuando se va
a dar la cara ante el publico.
Es útil pasar un tiempo observándote y dedicar
un par de días a esto antes de seguir con el trabajo vocal.
Cuando pases por un escaparate aprovecha la oportunidad para observar
que forma tienes y como esta distribuido el peso de tu cuerpo, si te
inclinas hacia adelante, hacia atrás o hacia los lados. Usa los
espejos, son especialmente útiles si puedes colocarlos para
conseguir una buena visión de cuerpo entero, tanto de lado como de
frente. Habla, recita poesía o cuéntate una historia y date
cuenta de qué ocurre cuando empiezas la acción de hablar. Para
que te des una idea de como te ven los demás mientras cantas y
puedas detectar muletillas, posiciones no estéticas o muecas que no
te agraden y lo corrijas. Se tu propio juez.
Tener auto-conciencia te permitirá cumplir tus
intenciones con rapidez y precisión. Puede que tendamos a pensar
que la auto-conciencia es un estado de elevada incomodidad, debido a
que somos el centro de atención al interpretar.
Es lógico pensar que tanta auto-conciencia nos
llevara a perder espontaneidad al cantar. Pero si por
espontaneidad entendemos la habilidad de reaccionar y adaptarse a las
necesidades cambiantes en cada segundo, como una interrupción por
parte de un provocador del publico o un actor que olvida sus frases o
se salta partes esenciales de los diálogos o cuando se intuye que la
atención del publico esta disminuyendo, entonces, con
auto-conciencia tendremos una espontaneidad mas abundante, al conocer
los recursos con los que contamos. Si por el contrario entendemos
por espontaneidad aquel estado en el que nuestras motivaciones
subconscientes toman el control y estamos siendo dirigidos por
nuestras respuestas habituales, entonces ¿quien la necesita? Si lo
que queremos al ser cantantes es crear un personaje protagonista.
Estamos como cantantes interesados en usar
nuestro si-mismo con juicio, lo cual es una parte integral del
comportamiento inteligente y artístico. Usar nuestro si-mismo, no
significa tener que renunciar a las respuestas y sentimientos humanos
usuales sino elegir como utilizarlos para mejorar nuestra forma de
comunicar la información que queremos transmitir.
Practicar frente a amigos, familia y compañeros
de clase es una buena opción para aprender como dirigir tu energía.
Esto también te ayudara a desarrollar confianza en ti mismo y
experiencia al interpretar frente a una audiencia.
Así se conseguirá reducir o impedir el pánico esenico.
El consejo que
se suele dar a alguien que sufre un colapso por miedo escénico es el
inspirar profundamente un par de veces y siempre que la respiración
se realice de manera correcta. Pero hago mención de esto en este
tema de la interpretación y del autoconocimiento porque en el fondo
es un fenómeno producido por una alteración en nuestro uso.
Los síntomas del miedo escénico pueden ser muy desagradables. Hay
una alteración en el ciclo de la respiración y en los procesos
digestivos que en casos extremos puede llegar a la nausea, al mismo
tiempo experimentamos una sensación de sequedad en la boca y se
empieza a sudar en demasía, se nota que varios músculos alcanzan un
grado de gran tensión sobre todo los del abdomen y los de la parte
superior del cuerpo. También puesto que es una respuesta de
pánico hay una tendencia a que ocurra parte o todo lo que ha sido
descrito como reflejo del pánico.
Este reflejo se manifiesta por medio de una
contracción en la parte posterior del cuello casi como si temiéramos
recibir un golpe en la nuca. Esto no resulta sorprendente, el miedo
escénico ocurre como sucede generalmente con el miedo, cuando nos
sentimos amenazados y nuestro cuerpo se prepara para luchar contra la
fuente de amenaza o huir de ella.
Pero si estas a punto de hacer una actuación tu
reacción no puede ser ninguna de las dos anteriores y tu cuerpo se
encuentra entonces en un estado de frustración y el estado químico
que esto provoca, en lugar de ayudarte a que te ajustes a una
situación peligrosa simplemente te desorganiza y hace que la espera
sea una tortura.
La sensación
de tortura suele desaparecer cuando estamos en la zona de peligro, es
decir, sobre el escenario y a medida que encontramos un escape para
la abundante energía que el miedo por medio de la anticipación ha
producido en nosotros. Entonces podríamos experimentar una
reacción contraria en proporción a la gravedad de nuestra reacción
ante el peligro. Podemos sentirnos realmente fuertes, despiertos y
confiados en nuestra capacidad para enfrentarnos a cualquier
emergencia. Todo esto lleva consigo una sensación de estimulacin
de tal magnitud que a menudo nos parece, a pesar de los tormentos ya
sufridos, que la vida en esos momentos no puede ofrecernos nada
mejor. Así que el miedo escénico puede ser utilizado para llevar
nuestros mecanismos de supervivencia a tomar las armas.
Por otra parte
uno se puede encontrar en un estado de pánico tan desbordante debido
a los peligros inminentes, que el mero hecho de subir al escenario
resulte algo imposible. ¿Qué es lo que se debe hacer ante tales
circunstancias? Vamos a reconsiderar el reflejo del pánico. Uno
de los dos nervios principales responsables de la respiración tiene
su origen en la tercera, cuarta y quinta vertebra cervical. Si
desequilibramos la relación entre estas vertebras el continuo e
ininterrumpido intercambio de inspiración y espiración, es decir
el ciclo de nuestro ciclo respiratorio se vera afectado
negativamente. El otro nervio principal que activa nuestra
respiración empieza a funcionar al máximo y sentimos que nos falta
el aire, independientemente de la cantidad de aire que tengamos.
Este segundo nervio es también responsable de nuestro proceso
digestivo, de los músculos de la laringe y el corazón, de ahí la
sensación de nausea, los acelerados latidos del corazón, la
necesidad de tragar constantemente y la boca seca. Así que debemos
restablecer el RITMO DE NUESTRA RESPIRACION y para ello puede ayudar
el inspirar profundamente, pero no en exceso, un par de veces.
Pero lo que mas ayudara a contener todos los síntomas molestos y a
mantenerlos bajo control, sera soltar el cuello y asegurar el
funcionamiento de la relación básica cabeza-cuello-espalda. No
tenemos porque desterrar el miedo pero si tenerlo bajo control.
Con conocimiento de nuestros propios recursos,
capacidades y limites tendremos seguridad en que podemos transmitir
el mensaje de lo que cantamos. Dicho mensaje debimos haberlo
captado antes de subir al escenario. Tenemos que saber cuál es la
idea que queremos transmitir, cuales son las emociones que
conlleva, ya que en ese momento somos actores de esa historia,
debemos sentirla para poder hacer sentir a otros ya que a fin de
cuentas es lo que la gente busca en un cantante, que haga sentir algo
y no solo virtuosismo vocal, el cual aburre después de cierto
tiempo.
Imaginar la historia que cuenta la canción,
ponerle rostros a los personajes o compararlo con alguna experiencia
propia, ayudara a captar la emoción que conlleva. Ponerse en
los zapatos del protagonista de esa historia, ayudara a vivirla y
compartirla, así podemos ver claramente COMO USAR NUESTROS RECURSOS
VOCALES Y CORPORALES.
Una vez que tenemos claros todos los puntos
expuestos antes, debemos ser concientes del manejo del espacio en el
que nos desenvolvemos. Si es un escenario alto, a nivel del
publico, grande o pequeño, si hay objetos o instrumentos, debemos situarnos en la parte central del espacio libre, enfocando la vista a
90° principalmente; a 45° y 135° en segundo lugar. Para
evitar la distracción de las miradas encontradas con personas del
publico, un tip es enfocar la mirada en la frente de una persona
elegida arbitrariamente ubicada en estos ángulos.
Algunos ejemplos de una buena interpretación
...independientemente de la capacidad vocal...
Por último, relájate con los siguientes videos y da tu mejor actuación:
Acostúmbrate al éxito...
"La interpretación.pdf"
Fuentes:
- “El libro de la voz”
Michael
McCallion
- “Cómo educar la voz cantada y hablada”
Cristián
Caballero
- “La voz como instrumento. Palabra y canto.”
Francisca
Cuart
- “The contemporary singer”
Anne
Peckham
